Tortuga de caparazón blando: material duro a la vista, como una de esas corazas romanas en las que se representan unos abdominales definidos. Una de esas que cubren pecho y espalda. Material duro, en formación tortuga, en bloque amenazador. El artista se acerca y empieza a intuir de qué material se trata, pero no está del todo seguro. Decide proceder a una exploración de tórax y, sorprendentemente, al apoyar sus manos contra la escultura, estas se hunden ligeramente en ella y puede notar las costillas y algunos órganos; una estructura interna de cartón se adivina bajo la piel gruesa de poliuretano de expansión rápida. Esta propuesta escultórica pretende reflexionar acerca de las relaciones que se establecen entre materiales, entre cuerpos duros y cuerpos blandos, cuerpos fríos y cuerpos calientes, cuerpos orgánicos y cuerpos no orgánicos, forma rígida y forma flexible.

Mikel Adán Tolosa (Caldes de Montbui, 1998) centra su obra en hacer visibles las relaciones materiales que surgen durante el hacer escultórico, considerando al escultor como un sujeto capaz de alterar o definir una forma final que siempre está en constante cambio. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y en Técnicas Escultóricas por la Escola Massana, ha realizado exposiciones individuales en la sala de exposiciones La Granja (2025) y en Dilalica (2025), y ha participado en exposiciones colectivas en espacios como 200cent (2025), Halfhouse (2024), la Sala d’Art Jove (2024) y FOC (2022). Asimismo, junto a la bailarina y coreógrafa Irene Rojo, ha presentado la performance Carne y piedra –con la que recibió el Premi Art Jove Creació en 2024– en La Caldera y en la School for Contemporany Dance (P.A.R.T.S., Bruselas). Además, ha participado en la residencia artística Celestino Cuevas de Reinosa (Cantabria) y en el programa de estudios Jardun Artistikoentzako Institutua (JAI), en las instalaciones de Tabakalera, Artium y el Museo Oteiza (País Vasco).

Ladrillo es una obra de arte que invita a la reflexión sobre la crisis de la vivienda en Barcelona. La escultura, realizada con ladrillos de colores, simboliza la desintegración del tejido social debido al excesivo aumento de los alquileres. 

Mediante una experiencia participativa, el público mueve los ladrillos siguiendo unas instrucciones generadas algorítmicamente, lo que simula el desplazamiento forzoso de residentes. Cada movimiento contribuye a la dispersión de la obra: un reflejo de cómo miles de familias se ven obligadas a romper sus vínculos sociales y abandonar los barrios de toda la vida, lo cual impacta gravemente en su calidad de vida.

Nacido en Barcelona en 1987, es un artista generativo que crea arte mediante código. Su práctica se centra en la creación de algoritmos generativos y determinísticos que producen visuales singulares cada vez que se ejecutan.

Arquitecto por la ETSAB (2012), busca combinar su práctica digital con escultura hecha con materiales típicamente usados en la construcción. Además, ya sea en piezas digitales o híbridas, la interacción con el público asistente y su participación son una constante en la formalización de la obra.

Como un viejo enemigo parte de una ilustración del artista vinculada a la crisis del sida que se publicó en 1993 en el periódico Nou Barris 9 y una fotografía de 1989 sobre la insumisión al servicio militar. Nueve cabezas idénticas, una de ellas en negativo en el centro, condensan la consigna “silencio = muerte” y desplazan la del medio: cualquier cuerpo puede ocupar cualquier cabeza. La figura reaparece como núcleo de una instalación gráfica y audiovisual que activa una memoria fragmentada. La propuesta reflexiona acerca de dos imposiciones que marcaron a una generación: la amenaza de la enfermedad y el militarismo, mecanismos que regulaban el cuerpo, la sexualidad y la disidencia. Treinta años después, la pieza da voz a aquella figura planteando preguntas sobre el lugar que ocupamos.

Chuso Ordi es artista visual. Trabaja con el dibujo, la animación y técnicas de cine analógico sin cámara, y desarrolla una práctica híbrida entre lenguaje gráfico y relato simbólico en la que el dibujo funciona como herramienta de indagación. Su obra parte a menudo de archivos personales y de memoria política para generar relatos visuales sobre la identidad, la comunidad, la existencia y la disidencia. Le interesan la gráfica popular y los medios comunitarios como espacios donde hacer circular imágenes que pongan en marcha un mecanismo crítico.

El Espai Rampa de La Capella se convierte en territorio otaku.

Tawa nos guiará por la Caja Sorpresa en clave onichan 

Venid haciendo cosplay y bebiendo bubble tea

Entrada libre y para todos los públicos.

Caixa sorpresa Grup d’Estudi (Caja sorpresa Grup d’Estudi)

Dice Grup d’Estudi: “[…] ¡O, por otra parte, puedes escoger la caja sorpresa! Puedes asegurar una cantidad limitada de un recurso o abrir en canal la oportunidad que se presenta”. Y también: “Trenes como este no van a pasar nunca más. ¡Te aseguro que lo que hay dentro no es poca cosa!”.

Para este colectivo, hay un patrón recurrente. Es un deseo exponencial de un devenir inconmensurable, del vértigo de las posibilidades, de algo que eclipsará aquellas realidades de las que ya conocemos el principio y adivinamos el final. Grup d’Estudi ensaya diferentes formas de anticomisariado transformando el Espai Rampa en una caja sorpresa, tanto en un sentido tangible como metodológico.
 

Grup d’Estudi

Grup d’Estudi es un colectivo de artistas y curadoras que se dedica a la investigación y la catalogación de los diversos formatos de presentación pública de las producciones artísticas y que defiende la movilidad radical, en términos de adscripción al grupo, de sus integrantes. Gd’E ha realizado proyectos expositivos, curatoriales, performativos y de mediación en espacios como La Virreina Centre de la Imatge, àngels barcelona, Index Foundation, Fundació Joan Brossa, Santa Mònica, Exibart o la capilla de Guarda-si-venes.

INSANIA

Instalación interactiva lumínico-sonora que, por medio de la materialización de un autómata, renuncia al placer musical noise, al protagonismo del operador, y reinterpreta la imagen haciendo alusión a su estado errante glitch.  Apuesta por lo roto, lo quebrado, el estado mental donde las líneas entre lo real y lo imaginario no existen y que ha sido llamado “locura”. Un acto mágico, un viaje onírico, una conexión entre la carnalidad mundana y la trascendencia de la conciencia, la expansión abrupta del espacio simbólico… por rotura… 

La sinrazón como fundamento último de la razón.

Al entrar en ella se hace evidente cómo SER/ESTAR modifica los parámetros de la EXISTENCIA y la CREACIÓN. El participante, introduciendo el error, crea caos y una ruptura de patrones de comunicación entre los módulos del dispositivo en interacción con el público. Así se genera una aberración en el AV y en las expectativas del participante, lo que ABRE un nuevo campo simbólico de orden superior. 

Heidi Valda

Heidi Valda, artista boliviana, creadora de espacios lumínicos e interactivos dentro y fuera de la pantalla, ha enfocado su mirada en la multidisciplinariedad como manera de hacer, crear y producir piezas artísticas que enriquecen las maneras tradicionales de entender el arte y la tecnología en simbiosis. Su exploración recorre diferentes ámbitos de la cultura digital. Ha expuesto en festivales como el Sónar+D, MUTEK.ES o la Poblenou Open Night, entre otras plataformas. Posee un máster en animación 3D por la Universidad Pompeu Fabra y otro en innovación audiovisual y entornos interactivos por BAU (Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona). Mezcla sus habilidades creando híbridos artísticos inspirados principalmente en la psicodelia fractal y la distorsión de la realidad.

La pantalla mutante

La pantalla mutante emerge como una amalgama de formas en errática interdependencia sociotécnica, como criaturas en perpetua transformación que excavan en el cine tardofranquista, lo dislocan, lo reescriben, lo remedian, convirtiéndolo en un aquelarre de insurgencias, de desobediencia a las imposiciones ontológicas de lo que cuenta como uno (o no), lo que accede a la mirada o lo que se contornea como cuerpo. El fantaterror de los setenta y los ochenta deja de ser una galería bidimensional de monstruos y cuerpos desmembrados para convertirse en un lienzo roto donde lo queer y lo trans*, lo disidente y lo reprimido, encuentran grietas por donde filtrarse, vectores por donde expandirse.

Pol Merchan

Pol Merchan es artista, cineasta y comisario del Xposed Queer Film Festival de Berlín. Se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y completó el máster Art in Context en la Universität der Künste de Berlín. Su obra ha sido expuesta internacionalmente en instituciones artísticas y festivales de cine, como el Centre d’Art La Panera, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Videonale, International Film Festival Rotterdam, Hot Docs Canadian International Documentary Festival, Dok Leipzig, Ann Arbor Film Festival y Anthology Film Archives. Su trabajo forma parte de la colección de la Fundació Leandre Cristòfol y el Museu d’Art Modern i Contemporani de Lleida. 

https://vimeo.com/polmerchan

Joana Capella Buendia, Aymara Arreaza R, Natalia Domínguez, Georgia Vardarou

Quan ja no ens escalfa el sol (Cuando ya no nos calienta el sol) explora la afectación que tienen las violencias constructivistas y procesos como la gentrificación en nuestros cuerpos. Se trata de un proyecto in situ, un espacio de diálogo, una coreografía. La gentrificación es movimiento, es desplazamiento, es una relación íntima con un espacio que se rompe, con un territorio. Las obras, creadas a partir del efecto directo de un cambio urbano, sirven de disparador de un proceso colectivo en que la exposición se convierte en instalación, sonido y baile, y ofrecen así otras posibilidades de encarar una problemática de nuestras ciudades.

Zaida Trallero. Su práctica se desarrolla en diferentes ámbitos: la curadoría, la escritura, la investigación y la gestión cultural. Desde 2017 forma parte de la asociación cultural y taller de artistas trama34 (L’Hospitalet de Llobregat), donde lleva a cabo proyectos como Los coleccionables del kiosko solitario, AF.FAIR. Another fucking fair o Meta Monumental Market. Ha colaborado con espacios e instituciones como Salón (Madrid), el Museu d’Història de l’Hospitalet de Llobregat, Chiquita Room, Trastero 109 (Palma de Mallorca), el Museu de l’Empordà (Figueres), el Goethe Institut (Barcelona), la Fundació Tàpies, Sant Andreu Contemporani, Arts Visuals Can Felipa o La Casa Encendida (Madrid). Ha sido tutora de la Sala d’Art Jove. Es cofundadora del proyecto editorial en línea Site-Specific Conversation. Escribe en publicaciones de artistas y plataformas culturales.

He decidido irme.
            Llego tarde siempre
                        y tengo prisa y voy lento.

                        Mi sueño es ser humorista.
                                     Hacer gracia y vivir de la gracia.

                                     Pero en donde vivo la comedia no me tiene en cuenta.
                                                   Soy como un pez fuera del agua.

                                                   Tengo ganas de aventura...
                                                                 Por eso he decidido cumplir mi sueño
                                                                             y viajar a la meca del entretenimiento:
                                                                                                                         New Ywork.

Jaume Clotet (Manresa, 1994) es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado las exposiciones individuales NeoGroupie (Galeria SiS, 2015), INTEGRAL (La Capella, 2019), Diverrealism (Habitación 34, 2021) y 20vingut (etHALL project space, 2020-2021), que recibió el premio GAC a la mejor muestra de artista emergente de 2020. Desde 2019 codirige, junto a Alicia Garrido, el espectáculo Cabaret Internet, con varias sesiones realizadas en salas como El Pumarejo, Sala Vol o Hangar, y con una edición especial para Art Nou 2021.