La instalación de Anna Dot, que forma parte de la Escena 4 y de la Escena 5, plantea este día una activación performativa a modo de conferencia en la propia sala de exposiciones. A medio camino entre la erudición y la charlatanería, la oratoria de Anna Dot ofrecerá un relato detallado de los desplazamientos y las traducciones de escritura a piedra que forman parte de su pieza.
Agustín Ortiz Herrera centra su investigación en la práctica taxonómica del sistema de clasificación de las especies naturales desarrollada en el contexto de la ilustración europea por Carl Linnaeus (Suecia, 1707-78). El artista se focaliza en diferentes ejercicios de documentación sobre taxonomía en centros de estudio especializados en Linnaeus, como los de Uppsala y Londres, donde hay más de 55.000 ejemplares de plantas, animales y minerales enviados por sus discípulos desde los confines del mundo. Ortiz propone así expandir la investigación en Cataluña con la intención de crear sinergias y enlazar con autoras que han desarrollado discursos entorno del posthumanismo, la teoría queer / feminista y el movimiento decolonial, como Lynn Margulis, Donna Haraway, Ariella Azoulay y Rossi Braidotti. La estructura de su propuesta se desarrolla en diversos ámbitos como el cuestionamiento de los objetivos de la clasificación sistemática del conocimiento, la reflexión sobre el impacto de los métodos científicos occidentales en la textura social y su grado de imposición y dominación cultural, la indagación sobre la relación íntima entre la taxonomía y la expansión colonialista de las civilizaciones occidentales, el rastreo sobre el devenir del conocimiento local desplazado y, finalmente, la búsqueda de una visión queer/feminista sobre esta materia.
Para el contexto de INDEX Agustín presenta una de las líneas de investigación que están en proceso. Se trata de un trabajo artístico que se centra en la construcción de una ficción especulativa basada con el concepto de un Gabinete de Curiosidades futuro. Inspirado en el inicio de las ciencias naturales (renacimiento) en el que el mundo mágico se resiste a desaparecer, el artista nos traslada a un tiempo paralelo o futuro (pero si intencionadamente ambiguo) en el que la humanidad, ya olvidada, es analizada y recreada por unos seres ávidos de conocimiento. Esta entidad intenta ampliar, experimentar y reconstruir la fragmentada memoria que conserva sobre la cultura humana y su entorno. Los límites entre lo artificial y lo natural están difuminados. Cuando estudian el antropoceno, las disciplinas como la biología, la antropología y la arqueología se entrecruzan e incluso se yuxtaponen.
En 1974, el artista e intelectual argentino Oscar Masotta (1930-1979) se exilia a Europa. Instalado primero en Londres y después en Barcelona, organiza grupos de estudio del psicoanálisis lacaniano, como había hecho en Buenos Aires. En Barcelona, Masotta imparte los primeros seminarios en el estudio del artista Josep Guinovart. En estos seminarios participan artistas como Pepe Espaliú, o intelectuales como Alberto Cardín, por citar solo algunos ejemplos, que hacen patente la importancia de su figura en el panorama cultural de la Barcelona postfranquista. Este proyecto se enmarca en una aventura personal y profesional de Cloe Masotta. En agosto de 2016 viajó a Argentina con el cineasta Andrés Duque para realizar una serie de entrevistas con motivo de la exposición comisariada por Ana Longoni Oscar Masotta, la teoría como acción. Tras diecisiete años sin pisar Buenos Aries, Cloe Masotta fue a la casa donde su padre pasó su infancia. Allí encontró un cajón lleno de cartas escritas por su padre dirigidas a su madre (su abuela), ya desde el exilio. La publicación Tendremos que encontrar un lugar donde encontrarnos pretende recorrer la trayectoria intelectual de Oscar Masotta, así como su vida en Europa, a través de estas cartas y de las huellas que ha dejado en los libros que leía mientras las escribía.
El proyecto se origina en el momento en que Consol Llupià conoce la historia de un cetáceo de 19 metros que aparece varado y muerto en la playa de El Prat de Llobregat, cerca del aeropuerto de Barcelona, el 12 de mayo de 1983. Este hecho histórico-social permanece en el imaginario colectivo pratense y barcelonés, y el esqueleto termina siendo expuesto en el Zoo de Barcelona hasta la primavera de 2018. Llupià ha ido trabajando sobre el caso con el objetivo de devolver el esqueleto de la ballena al mar Mediterráneo coincidiendo con el 37.º aniversario de su hallazgo (y el de la artista) el próximo mes de mayo de 2020. Mediante un acto público que evidencie las múltiples relaciones que se han establecido en la ejecución de este proyecto de largo recorrido, Llupià propone tejer diálogo entre diversas instituciones, entidades y comunidades de ámbitos medioambientales, científicos, energéticos, jurídicos, sociales, deportivos, humanísticos y artísticos, reactivando una nueva fórmula de relación con la naturaleza y una nueva cosmovisión para su conservación.
https://consolllupia.tumblr.com/
PROGRAMAS DE RADIO
Consol Llupià explica, por capítulos, el largo proceso de la Ballena de El Prat de Llobregat hasta el presente. Cada inicio de mes, antes de colgar el material en línea, la artista llevará físicamente el nuevo programa a Espai Índex. Si estás por aquí, tal vez te la encuentres.
# 1 programa:
Hace cosa de dos años, llegó a mi vida la noticia de un varamiento de una ballena de 19 metros en la playa de El Prat. El año que yo nací. Busca en Google "Ballena 1983". Las Rorcual Común migran por nuestro litoral de marzo a junio. Era la dueña del esqueleto que había instalado en la entrada del Zoo de Bcn. Este tipo de Ballena no las puedes sentir cuando hablan porque VIBRAN. Le preguntamos con nuestras vibraciones si quería volver a casa.
# 2 programa:
La Ballena de El Prat a El Prat fue invitada a formar parte de la Conferencia Mundial sobre Mamíferos Marinos, celebrada el 7-9 de diciembre de 2019 en Barcelona con el título: "El arte como herramienta de comunicación, La Ballena de El Prat a El Prat. Arte, ciencia y otros idiomas para revisar como es la conservación ". Gracias a Luigi Bundone Archipelagos - ambiente y Sviluppo, Italia y Volker Smit de www.m-e-e-r.org
Esta es mi contribución a la conferencia
# 3 programa
Para poder conocer el espacio natural donde La Ballena de El Prat llegó, hice una investigación de campo con mi cuerpo.
Recorrí el perímetro a pie a diferentes horas del día y la noche, aprendí a manejar el Patín Catalán en el Club Marítimo Prat, y allí mismo, frente al Chiringuito El Calamar se encuentra una Fundación y de mayo a agosto 2018 estuve allí de voluntaria.
Durante este tiempo descubrí: qué relación tengo yo como animal humana con el mar y qué relación y vínculos tengo con otros animales no humanos que cohabitamos el espacio.
He dejado de comer carne, estoy en proceso de Residuo 0 y he retirado todo mi vestuario de piel de mi armario y zapatero.
En marzo de 2019 se anunciaba que toda la música almacenada en la red social Myspace desde antes de 2015 había sido eliminada de forma permanente por culpa de una supuesta negligencia profesional. Unos 50 millones de canciones, producidas por alrededor de 14 millones de artistas, habían desaparecido para siempre. The Internet Archive –una librería dedicada a preservar archivos digitales– consiguió recuperar 450.000 de las canciones perdidas y las compiló en un gran archivo con el nombre de Myspace Dragon Hoard.
Myspace Dragon Hoard (Lost WorldWW Music) es un álbum de género world music (músicas del mundo) cuyos temas están compuestos por samples (fragmentos) de canciones de Myspace recuperadas. El álbum se lanzará en formato digital, con la intención de alojarlo en el primer servidor web de la historia: el CERN httpd (instalado en un antiguo ordenador NeXT conservado en el CERN de Meyrin, en Suiza). Entendiendo el servidor web como una especie de monumento, el proyecto propone pensar la producción y distribución musical en Internet desde lo material, para reflexionar sobre formas alternativas y descentralizadas de preservación y conservación del patrimonio cultural digital.
A partir de los presupuestos heredados del pensamiento simbólico, que se basa en las analogías arquetípicas entre conjuntos seriales, esta investigación propone una serie de experimentos que llevan al límite el potencial de tales analogías a la hora de conectar distintos planos de realidad. Existen dos planos concretos que representan los puntos de fuga más extremos dentro del recorrido de investigación que Marc O’Callaghan ha transitado durante los años previos a este proyecto. Por un lado, y como consecuencia del interés por el estudio comparativo de las religiones, el simbolismo católico y, en concreto, el del culto a los santos; por el otro, derivada de la exploración de la materialidad y la funcionalidad del sonido, la música mákina. Ambos mundos representan dos tipos de folklore pertenecientes a paradigmas alejados entre sí. A través del simbolismo musical sugerido por varios estudios y corrientes, se llevarán a cabo ejercicios que tanteen y fuercen insospechadas relaciones entre ambos. Teniendo en mente que se trata de fenómenos con un enraizamiento característico en el contexto local, el artista ha escogido el casco antiguo de Barcelona como territorio en el que cartografiar el folklore católico, a partir del cual buscará implicaciones simbólicas que puedan ofrecer una lectura musical.
http://marcocallaghan.com/csfcmmcab es el sitio web que sirve de guía para el proyecto de Marc O'Callaghan. Diseñado por el propio autor con el enfoque minimalista y enciclopédico característico de su forma de pensar, funciona como un archivo-receptáculo lleno de casillas vacías que se van llenando a medida que el proyecto se desarrolla.
Las formas de trabajar, crear y compartir han cambiado con la irrupción de las nuevas tecnologías y con un sistema capitalista dedicado a la circulación del conocimiento y a los códigos de consumo, más que a los propios medios de producción. En la actualidad, jóvenes de muchas partes del mundo se desempeñan en proyectos culturales de corta duración, sin contratos o en condiciones irregulares, como aficionados algunas veces, otras como profesionales, sin llegar a estructurar carreras. Algunos se han dedicado a desarrollar sus capacidades creativas, sin remuneración alguna, a través de los canales de ocio y conexión que ofrecen nuevas plataformas. Es el caso de los videojugadores que se emplean en diseñar mods (acortamiento en inglés de modificaciones en 3D) de automóviles y paisajes urbanos transformando por completo los juegos. El proyecto Sindicato Virtual de Mods es una asociación virtual, es decir, inexistente, que se dedica en primer lugar a recopilar, ordenar y clasificar las imágenes e imaginarios de esta comunidad de individuos a partir de sus réplicas mod, en particular del transporte público y las cartografías urbanas; y, en segundo lugar, a generar espacios virtuales de discusión con los jugadores, invitando a expertos académicos a confrontar en lo práctico sus teorías sobre la crisis del trabajo.
Desde un aislamiento hiperconectado, los videojugadores se dedican a rescatar momentáneamente una visualidad sin historia condenada a desaparecer o, en el mejor de los casos, a permanecer solo en el espacio virtual del videojuego, cuestionando el individualismo al que la red empuja al consumidor.
La PAAC abre la conversación:
Y ahora, ¿qué? Volvamos a las bases. Revisemos la idea de buenas prácticas.
Abren el encuentro:
Junta de la PAAC, Belén Soto, HJ Darguer, Linda Valdés, Mafe Moscoso, Mario Santamaría, Oscar Martin Correa, Patricio Rivera, Rosa Llop y Toni Navarro.
Lugar: La Capella. planta 1. (Acceso por la calle del Hospital, 56, por los Jardines Rubió i Lluch, segunda puerta a mano derecha, primer piso)
Entrada libre
¿Quien ha tomado esta decisión? No sé cómo enfrentarme a esta violencia. ¿Por qué a mí no? No puedo. No me dejan. No sé cómo hacerlo. Necesito que me elijan a mí, debo hacerlo mejor que ella. Dedicaré más horas. ¿Podemos seguir confiando en ellos? No se hace responsable. Mi trabajo es mucho más interesante. No me entiende. No me ha dicho. Si la nombro, la atención se volcará en ella, y yo quiero que me atiendan a mí. Me lo merecía. Me faltan referencias de posibilidad. Dice que mi trabajo no es arte, que es otra cosa. Dice que como no soy artista, no cuento. No me considera profesional, yo no sé si quiero serlo. ¿Quién sabe de esto? ¿No podríamos hacerlo juntas? No sé si es posible organizarse, o si sirve de algo. No sé dónde protestar. ¿Nadie me protege? Aquí no llega nada. Dependo de vosotros. ¿Por qué no me he enterado? Siempre acabamos en las mismas luchas de poder. Siento que me están instrumentalizando. No confío en las instituciones y estructuras que conozco. Hemos perdido la hoja de ruta. Quizás hemos aislado demasiado la idea de arte, de artista. Hemos perdido fuelle. Los marcos jurídicos no nos sirven. ¿A quién le importa el arte y la cultura? Esto es insostenible. Trabajamos con ideas tan potentes y con tan pocas herramientas para activarlas entre nosotros ... No me siento respetada. Me frustro. La envidio. Me llena de rabia. Me siento sola. Necesito ayuda. Siento que me estoy autoexplotando. No tengo tiempo para pensar en lo que estoy haciendo. Estoy muy cansada ...
Este 27, por la tarde, activamos un proceso a largo plazo de discusión crítica sobre las buenas prácticas, el trabajo artístico y la acción política de la PAAC. Evento abierto a todo el público interesado en participar en el diálogo y en escuchar.
¡Habrá piscolabis!
>> Streaming en directo: www.youtube.com/watch?v=qJehllXTnIc y se publicará en la web de la PAAC: www.paac.cat
Con el apoyo de la Generalitat de Calalunya / Dept de Cultura_Oficina de Suport a la Iniciativa Cultural y del Ajuntament de Barcelona / ICUB.
Con la colaboración de La Capella
Anton Vidokle. Immortality for All!
A film trilogy on Russian Cosmism
Domingo 17 Noviembre 2019, 16:30 h
Cines Zum Zeig (Calle de Bejar 53)
Idioma: Inglés
Precio: 5 €
La proyección se acompañará de una conversación entre Anton Vidokle y Caterina Almirall.
En este proyecto cinematográfico en tres partes, el artista Anton Vidokle demuestra la influencia del Cosmismo en el siglo XX, y plantea su relevancia en el presente.
El movimiento cultural conocido como Cosmismo Ruso, promovido por el filósofo Nikolai Fedorov a finales del siglo XIX, afloró en Rusia antes de la Revolución de Octubre de 1917. Basándose en una amplia teoría de la filosofía natural, este movimiento tenía el objetivo utópico no sólo de reformar el arte, sino también de crear un mundo nuevo. Los pilares ideológicos del Cosmisme eran el fin de la muerte, la resurrección y el libre movimiento dentro del espacio cósmico. Anton Vidokle, artista y editor de la revista digital E-Flux (Rusia, 1965), recupera los fundamentos del pensamiento cosmista y captura los restos del arte y la arquitectura soviética en una vídeo-trilogía de noventa y seis minutos: Desde de las desoladas estepas de Kazajistán hasta los museos de Moscú. Las composiciones de John Cale y Éliane Radigue constituyen el trasfondo musical de este imaginario aparentemente suspendido en el tiempo.
Actividad organizada por Festival Loop en colaboración con el cine Zumzeig, dentro del proyecto de comisariado "Esdevenir immortal i després morir" de Caterina Almirall, que se expondrá en La Capella entre octubre de 2020 y enero de 2021.
http://lacapella.barcelona/es/node/2092
http://loop-barcelona.com/activity/anton-vidokle-immortality-for-all/
Amb la col·laboració de:
El trabajo de salud y cultura comunitaria desborda las lógicas de producción cultural y comunitaria más convencionales. Requiere otras formas de implicación, diálogo y escucha activa con los territorios. Emergen otras formas de estar, de cruzar conocimientos, de intercambiar espacios de relación y de vida, de saberes y de modelos de comunidades.
En esta jornada nos preguntaremos sobre las formas de cuidar de los territorios y cómo, desde las formas híbridas de artes visuales y trabajo comunitario, se plantean otras políticas y otros ritmos para construir ecosistemas saludables y respetuosos con los contextos, saberes, personas y cuerpos implicados en este tipo de programas como el de Interfaces
* Estructura:
La jornada tendrá dos partes: una presentación de Marta Ricart (artista de El Solsonès) con el título de "Movimientos y ritmos en la creación con las personas", y una segunda parte con una mesa redonda con las creadoras LoRelacional, Forn de teatre Pa'tothom, Teleduca y Territorios Olvidados, el grupo de investigación GRICS/ equipo docente de psicología comunitaria.
